ÉUMAVEZ. Artes e Visualidades na Universidade de Évora

António Areal (Porto, 1934 – Lisboa, 1978)
Foi um artista plástico português de formação essencialmente autodidata, cuja obra marcou a transição do Surrealismo para o Gestualismo e uma nova figuração crítica ligada ao Pop e ao Nouveau Réalisme. Desde muito jovem, a sua carreira foi condicionada por problemas de saúde, o que o afastou da formação académica convencional e potenciou um percurso intelectual ligado à Literatura e à Filosofia. Em 1957, ganhou o Prémio de Desenho na I Exposição de Artes Plásticas da Fundação Calouste Gulbenkian. Viveu um ano em São Paulo (1961-62), onde desenvolveu uma pintura mais gestual. Expôs regularmente em Portugal, e representou o país em importantes mostras internacionais. A sua obra integra coleções institucionais e fez-se objeto de retrospetivas, como a organizada pelo Centro de Arte Moderna / Fundação Calouste Gulbenkian, com itinerância na Fundação de Serralves. A sua produção, breve mas influente, continua a ser estudada e exibida como referência essencial da Arte Portuguesa da segunda metade do século XX.
 

António Charrua (Lisboa, 1925-Évora, 2008)
Desenvolveu grande parte do seu trabalho artístico em Évora, tendo deixado uma obra diversificada que inclui desenho, pintura, escultura, gravura, tapeçaria, cerâmica, azulejaria e vitrais. Com formação inicial em Arquitetura, Charrua expôs regularmente desde 1953. Em 1961, foi bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian, o que lhe possibilitou viagens e contactos pela Europa. Em 2001, o Museu de Évora apresentou uma grande mostra da sua obra, e em 2015, a Gulbenkian apresentou a exposição retrospetiva X de Charrua. Teve uma influência determinante no percurso artístico de artistas de Évora como Álvaro Lapa (1939-2006), António Palolo (1946-2000) ou Joaquim Bravo (1935-1990), com quem manteve relações pessoais e artísticas que, nalguns casos, tiveram expressão intensa no desenvolvimento das respetivas práticas. A sua pintura e a sua produção gráfica são frequentemente associadas a um vocabulário de matriz abstracionista, sensível ao gesto expressionista e atento a problemas formais e materiais.
 

António Palolo (Évora, 1946 — Lisboa, 2000)
Autodidata, realizou a sua primeira exposição na Galeria 111, Lisboa (1964). Integrou a exposição itinerante Art Portugais. Peinture et Sculpture du Naturalisme à nos Jours, apresentada pela Fundação Calouste Gulbenkian em Bruxelas, Paris e Madrid (1967-1968). Expôs em diversos museus no estrangeiro e a sua grande retrospetiva realizou-se no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (1995). A sua obra transitou entre a figuração e a abstração, explorando colagem, geometria, cores vivas e formatos variados, influenciado por correntes como a Pop Art, o Neo-Dada, o Hard Edge. Nos anos 80, verificou-se um regresso ou reinterpretação da figuração. Produziu em vários suportes além da pintura e desenho, incluindo vídeo, cinema experimental, colagem, instalações. Considerado uma referência na História da Arte Portuguesa desde meados dos anos 60, Palolo influenciou sucessivas gerações de artistas. A sua obra integra coleções nacionais e internacionais.
 

Carlos Calvet (Lisboa, 1928–2014)
Foi arquiteto e artista plástico. Formado em Arquitetura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto (1957), dedicou-se sobretudo à pintura desde os anos 40, explorando também a fotografia, a serigrafia, a gravura e experiências em cinema. Expôs pela primeira vez na II Exposição Geral de Artes Plásticas da Sociedade Nacional de Belas-Artes (Lisboa, 1947). Também na década de 40, começou a associar-se ao movimento surrealista português, tendo participado na exposição Os Surrealistas, em 1949, ao lado de nomes como Mário Cesariny e Cruzeiro Seixas.
A partir dos anos 60, foi afirmando uma linguagem mais pessoal, marcada por uma estilização metafísica com influências da Pop Art, geometrização das formas, usos simbólicos do espaço, objetos do quotidiano com significado simbólico e elementos oníricos. A sua obra está representada em coleções públicas e privadas, em Portugal.
 

Cruzeiro Seixas (Amadora,1920 – Lisboa, 2020)
Foi um dos nomes maiores do Surrealismo Português e um artista multifacetado, que explorou sobretudo o desenho, a pintura, escultura, a colagem, a assemblage, e também a poesia. Formado na Escola António Arroio, aproximou-se inicialmente de correntes expressionistas e neorrealistas, transitando no final dos anos 40 para o Surrealismo, tendo colaborado com Mário Cesariny e outros membros do Grupo Surrealista de Lisboa, nomeadamente na I Exposição dos Surrealistas, em Lisboa (1949). Na década de 1950, viveu e expôs em Angola, regressando a Portugal em 1964. A sua obra caracteriza-se pelo seu imaginário onírico e surrealista, marcado por traço fino e detalhado, composições enigmáticas e elementos de metamorfose e distorção. Explora o simbolismo, o absurdo e a subversão da realidade, refletindo uma liberdade poética e plástica constante e um fascínio pelo inconsciente. A sua obra foi objeto de retrospetivas e exposições em Portugal e no estrangeiro, e está representada em diversas coleções e museus. A Fundação Cupertino de Miranda possui mais de 400 obras suas, e também a sua biblioteca e arquivo pessoal, por doação do artista.
 

Graça Morais (Vieiro/Freixiel, Trás-os-Montes, 1948)
É uma das mais destacadas pintoras portuguesas contemporâneas. Licenciou-se em Pintura pela Escola Superior de Belas-Artes do Porto em 1971 e, entre 1976 e 1979, viveu em Paris, tendo recebido uma bolsa da Fundação Calouste Gulbenkian. A sua obra, profundamente enraizada nas memórias, rituais e elementos populares da ruralidade transmontana, privilegia figuras femininas e explora sobretudo a pintura e o desenho, integrando também azulejaria e ilustração literária. Em 2008, em Bragança, foi criado o Centro de Arte Contemporânea Graça Morais. Em 2024, a artista assinalou ali cinquenta anos de carreira com a exposição retrospetiva Obras escondidas, Obras escolhidas. Continua ativa em exposições e publicações. O seu percurso valeu-lhe várias distinções nacionais e internacionais, entre elas o grau de Grande-Oficial da Ordem do Infante D. Henrique (1997). A sua pintura afirma-se como uma ponte entre tradição e modernidade, unindo identidade local e linguagem universal.
 

João Cutileiro (Lisboa, 1937–2021)
Foi um dos mais aclamados escultores portugueses, conhecido pela sua abordagem inovadora e pelo uso de mármore. Viveu e trabalhou em Évora desde 1985. A sua formação artística começou na Escola Superior de Belas Artes de Lisboa (1953–1955) e continuou na Slade School of Art de Londres (1955–1959), onde explorou a técnica da escultura em pedra. A sua primeira exposição foi em 1951, em Reguengos de Monsaraz. A carreira de Cutileiro foi marcada por inúmeras exposições, tanto individuais como coletivas, em Portugal e no estrangeiro, incluindo a Exposição Antológica na Fundação Calouste Gulbenkian (1990). A sua obra pública é particularmente relevante, com peças que se tornaram ícones em várias cidades. Entre os seus trabalhos mais notáveis estão o D. Sebastião, em Lagos (1973), o Busto de André de Resende, em Évora (1986), as Efígies do Marquês de Pombal, no Metropolitano de Lisboa (1995) e o Monumento ao 25 de Abril, em Lisboa (1997). A sua obra está presente em coleções públicas e privadas, e continua a ser um marco na História da Escultura Contemporânea em Portugal, particularmente no modo como rompeu com tradições instituídas, explorou o espaço público, e introduziu uma expressividade formal e simbólica que provoca, questiona e permanece presente.
 

Júlio [Reis Pereira] (Vila do Conde, 1902 — 1983)
Foi pintor, desenhador, ilustrador e poeta, ligado à segunda geração do Modernismo em Portugal. Formou-se em Engenharia Civil na Faculdade de Ciências do Porto e frequentou, como aluno voluntário, a Escola de Belas-Artes do Porto, realizando, mais tarde, períodos de estudo em Paris. Assinou como Júlio as suas obras plásticas, e como Saúl Dias a produção poética. Foi colaborador assíduo da revista Presença, bem como de outras edições contemporâneas do movimento presencista. A sua obra, marcada por um lirismo expressionista com incursões surrealistas e momentos de experimentação, está representada em coleções e instituições nacionais e foi objeto de exposições e retrospetivas organizadas pela Câmara Municipal de Vila do Conde, pelo Centro de Arte Contemporânea do Porto e pela Fundação Calouste Gulbenkian. Paralelamente à criação, reuniu uma notável coleção de artesanato popular, hoje preservada em coleções municipais e museológicas ligadas ao seu legado.
 

Malangatana (Matalana, Moçambique, 1936 – Matosinhos, 2011)
Desde cedo mostrou interesse pelo desenho, começando a explorar essa arte enquanto frequentava a escola da Missão Suíça local. Em 1953, ao trabalhar como empregado de mesa e apanhador de bolas num clube de ténis de Lourenço Marques (atual Maputo) conheceu o biólogo Augusto Cabral, que o incentivou oferecendo-lhe pincéis e tintas, e o arquiteto Miranda Guedes, que lhe cedeu uma garagem para atelier e lhe comprava quadros, regularmente. Malangatana expôs pela primeira vez individualmente em 1961, em Lourenço Marques (atual Maputo), vendendo várias obras e ganhando notoriedade. A sua arte, marcada por figuras intensas, cores vivas, elementos oníricos ou fantásticos e influências de referências africanas, tradicionais, chamou a atenção pela originalidade e força expressiva. Em 1972, realizou a sua primeira exposição individual em Portugal, em Lisboa, na Galeria Buchholz e na Sociedade Nacional de Belas Artes. Paralelamente, envolveu-se ativamente na vida cultural e social do seu país, promovendo a arte como instrumento de identidade nacional. Foi distinguido com vários prémios e condecorações, incluindo o título de Artista pela Paz da UNESCO. Malangatana deixou um legado incontornável para a arte moçambicana e universal.
 

Maluda [Maria de Lurdes Ribeiro] (Pangim, Goa,1934 – Lisboa, 1999)
Foi uma das figuras mais conhecidas e singulares da pintura portuguesa do século XX. Viveu em Lourenço Marques (atual Maputo) a partir de 1948, onde começou como retratista autodidata e integrou o grupo “Os Independentes”, que expôs coletivamente de 1961 a 1963, antes de obter uma bolsa da Fundação Calouste Gulbenkian e ir estudar em Paris. A sua obra caracteriza-se por sínteses de paisagens urbanas — janelas, fachadas e vistas de cidade —, e por uma paleta e rigor geométrico muito pessoais, e um uso expressivo da luz. Trabalhou também serigrafia, tapeçaria e design de selos postais, alguns dos quais ganharam prémios internacionais. Realizou exposições individuais de relevo, nomeadamente em Lisboa e Paris, e está representada em coleções públicas e privadas. A sua obra continua a ser objeto de retrospetivas e estudos. Foi distinguida com vários prémios, entre eles o Prémio de Pintura da Academia Nacional de Belas Artes (1979), e foi condecorada com o grau de Grande-Oficial da Ordem do Infante D. Henrique (1998).
 

Mário Cesariny (Lisboa, 1923 — Lisboa, 2006)
Foi poeta, pintor e uma das figuras centrais do surrealismo português. Estudou na Escola de Artes Decorativas António Arroio e aprofundou estudos musicais com Fernando Lopes-Graça, antes de frequentar, em Paris, a Académie de la Grande Chaumière, onde conheceu André Breton. De regresso a Lisboa, em 1947, participou na fundação do Grupo Surrealista de Lisboa, ao lado de António Pedro, Alexandre O’Neill e José-Augusto França, entre outros. Divergências estéticas e ideológicas levaram-no, no ano seguinte, a criar o grupo dissidente Os Surrealistas, com António Maria Lisboa, Pedro Oom e Cruzeiro Seixas, afirmando uma atitude radical de liberdade e experimentação. Autor de uma vasta obra poética, que inclui Corpo Visível, Pena Capital e Manual de Prestidigitação, explorou o automatismo, o humor e o onírico, recusando convenções e moralismos. Traduziu Rimbaud, Artaud e Novalis, e escreveu ensaios e textos críticos fundamentais para o entendimento do surrealismo em Portugal. A sua pintura, tal como a sua poesia, é marcada pela cor, pelo acaso e pelo absurdo, recorrendo a colagens, assemblages e técnicas mistas que expressam um imaginário livre e subversivo. Figura marginal e visionária, Cesariny influenciou várias gerações de artistas e escritores. Em 2002, recebeu o Grande Prémio EDP de Artes Plásticas e, em 2005, a Grã-Cruz da Ordem da Liberdade. O seu espólio literário e artístico encontra-se em grande parte na Fundação Cupertino de Miranda, que preserva o legado de um dos criadores mais intensos e libertários da arte portuguesa do século XX.
 

Nikias Skapinakis (Lisboa, 1931-2020)
Foi um pintor, desenhador, gravador e ilustrador português de ascendência grega, considerado uma figura incontornável da arte portuguesa do século XX. Começou por expor em 1948, nas Exposições Gerais de Artes Plásticas. Embora tenha frequentado o curso de Arquitetura, que abandonou para se dedicar à pintura, foi um artista autodidata nas artes visuais, tendo mantido uma atividade consistente ao longo de mais de sete décadas. Ao longo da sua carreira, realizou inúmeras exposições individuais e participou em diversas exposições coletivas em Portugal e no estrangeiro. Além da pintura, a sua obra abrangeu, entre outras técnicas, o desenho, a litografia, a serigrafia e a ilustração de livros, como Quando os Lobos Uivam de Aquilino Ribeiro (1958) e Andamento Holandês de Vitorino Nemésio (1983). Foi também autor de um painel para a renovação do café A Brasileira do Chiado (1971) e do painel Cortina Mirabolante para a estação Arroios do Metro de Lisboa (2005). A sua carreira foi amplamente reconhecida e premiada, com destaque para o Prémio AICA/SEC (1990) e o Grande Prémio Amadeo de Souza-Cardoso (2005). Teve várias exposições antológicas em museus de referência como o Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (1985), o Museu do Chiado (1996) e o Museu de Serralves (2000). A sua obra está representada em importantes coleções públicas e privadas.
 

Paula Rego (Lisboa, 1935 – Londres, 2022)
Foi uma das mais marcantes artistas europeias do século XX e início do XXI. É mais conhecida pelas suas pinturas e gravuras baseadas em contos populares tradicionais e histórias infantis. As suas composições figurativas retratam frequentemente figuras femininas enigmáticas no centro de narrativas complexas, inspiradas pelos seus medos e desejos pessoais, além da sua paixão por combater injustiças, particularmente aquelas perpetradas contra as mulheres. Estudou na Slade School of Fine Art, em Londres, entre 1952 e 1956, e fixou-se definitivamente no Reino Unido em 1976, embora tenha mantido sempre uma forte ligação a Portugal. A sua obra, que abrange pintura, desenho, gravura, pastel e criações tridimensionais, cruza memória, folclore, imaginação e crítica social, explorando temas como poder, rebelião, sexualidade e género, luto e pobreza. Paula Rego ganhou destaque no Reino Unido após as suas primeiras grandes exposições individuais na Air Gallery (1981) e na Serpentine Gallery (1988). Em 1990, tornou-se a primeira Associate Artist da National Gallery, em Londres, e em 2010, recebeu o título de Dame Commander do Império Britânico. A sua obra foi alvo de grandes exposições retrospetivas, incluindo as da Tate Britain, em 2004 e 2021, e encontra-se representada em importantes coleções internacionais. Em Portugal, a Casa das Histórias Paula Rego, em Cascais, inaugurada, em 2009, acolhe permanentemente o seu vasto espólio de gravuras, desenhos e estudos preparatórios para obras pictóricas doado pela artista.
 

Raquel Gonçalves (Setúbal, 2003)
Vive na Comporta. Licenciada em Artes Plásticas e Multimédia pela Universidade de Évora, a sua prática artística explora a identidade, o autorretrato e a memória, através de pintura acrílica, desenho em técnicas mistas (riscadores e aguados) e desenho digital. O autorretrato é central, funcionando como forma de autoexpressão e amadurecimento emocional. Privilegia abordagens simbólicas e poéticas que cruzam vivências pessoais e espaços habitados. Na sua prática, tem ainda interesse por instalação, ilustração e artesanato integrando progressivamente novas linguagens.
 

Susana Piteira (Lisboa, 1963)
É licenciada em Artes Plásticas – Escultura pela Escola Superior de Belas Artes do Porto (1990), pós-graduada em Espaço Público e Regeneração Urbana; Arte e Sociedade (2001) e doutorada em Arte Pública, Natureza e Cidade pela Universitat de Barcelona (2018). Foi bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian (1991-1993) e da Fundação para a Ciência e a Tecnologia (2002-2006). Desde 1987, participa e organiza exposições, conferências, simpósios e workshops nacionais e internacionais, sendo autora de diversas obras escultóricas em edifícios privados e no espaço público, em Portugal. Lecionou na Universidade de Évora (1992-1996; 2010-2011) e na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa (1995-2002). É, desde então, Assistente/Professora Convidada da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Está representada nas coleções do Museu Amadeo de Souza Cardoso, do Museu da Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto, da Universidade de Évora, do Museu da Guarda, entre outras. O seu trabalho incide na materialidade da escultura, explorando a criação como núcleo poético do objeto artístico, bem como nos impactos da globalização estética em territórios rurais e urbanos e nos processos que sustentam intervenções artísticas nesse contexto.
 

Victor Belém (Cascais, 1938–2015)
Foi um artista multifacetado cujo trabalho percorreu pintura, instalação, vídeo, performance e, nas últimas décadas, a fotografia encenada, descrita pelo artista como foto-ficção. Formado na Escola António Arroio, foi bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian (1961-1963), sob a orientação de Júlio Pomar. Entre 1958 e 1976, desempenhou também funções como criativo e designer em empresas, instituições e órgãos de comunicação social. Exposições regulares desde 1958 e uma carreira marcada pela experimentação e ironia colocam-no entre as vozes significativas das artes plásticas portuguesas do pós-guerra. Victor Belém marcou a produção artística de meados do século XX ao princípio do século XXI, distinguindo-se pela sua irreverência e visão futurista com uma expressividade própria, através do uso das formas, das cores, das texturas e do recurso a diferentes materiais e escalas.  Doou grande parte do seu espólio ao Município de Cascais, e está representado em várias coleções particulares, entidades e museus em Portugal e no estrangeiro.